« De la Comédie Française »

Film co-écrit par Pauline Clément

Cette comédie, dans laquelle Pauline Clément joue le rôle principal, est une pépite à ne pas manquer, où l’on se moque avec tendresse et vacherie mêlées de la vie de la Comédie Française : d’ailleurs, tous les rôles sont interprétés par des comédiens de la troupe.

Ça commence lorsque Nina (Pauline Clément) entre dans le bâtiment en ayant oublié son badge, et que l’intraitable cerbère, joué par Guillaume Galienne, lui refuse l’entrée. L’ayant retrouvé, Nina se précipite, car elle est à moins de trois heures de la première de « Macbeth », qu’elle a mis en scène. A partir de là, tout se conjugue pour que le spectacle soit annulé : l’actrice principale, qui devait jouer Lady Macbeth, est bloquée en Bretagne. Qui pour la remplacer ? Nina se dévoue et prendra le rôle. Survient ensuite un adultère, vécu sur place, entre deux acteurs, interprétés par Marina Hands et Julien Frison, avec la complicité involontaire de la costumière (Florence Viala) ,et au désespoir du mari (Laurent Stocker). Cependant que des problèmes surgissent du coté du régisseur, drolatiquement interprété par le magistral Christian Hecq. Et que l’on découvre une jeune comédienne complètement larguée (Adeline d’Hermy) et une vieille pensionnaire qui se shoote pour mieux jouer (inénarrable Danielle Lebrun).

Mais ce n’est pas tout pour Nina, déjà soumise au stress de la venue de la Ministre de la Culture, avec laquelle l’administrateur voudrait bien discuter de la subvention ; voilà que son ex surgit et lui confie son bébé à garder ! Tout parait provisoirement s’arranger avec une maquilleuse remplaçante pour veiller sur le bébé.

Enfin, après quelques péripéties, in extrémis, le spectacle peut se jouer : sauf qu’au lever de rideau le bébé de Nina provoque, en jouant avec un bouton, l’ascension puis la chute (surcharge) de quelques éléments de décor. Au grand ravissement du public, qui prend ça comme un effet scénique « moderne ». Effet sur lequel se clôt le film.

On a tout dans cette comédie, avec les interminables et dédalesques couloirs du bâtiment, avec la moquerie sur la cantine, et avec Molière lui-même (Benjamin Lavernhe) qui vient rappeler à Nina qu’on n’annule pas, lui qui a même joué le jour de sa mort. Et pour finir, ne partez pas au générique, vous aurez même droit à un interview, vocal, de Shakespeare... !

Si, comme moi, vous êtes un fervent admirateur de la Comédie Française, ne loupez surtout pas cette brillante comédie, qui se joue sur au moins trois salles de l’agglomération avignonnaise.

Pierre PLATON

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Le Pas du Monde

Collectif XY

Cour d’Honneur

Du cirque au Palais des Papes ? Non, mais ce Collectif est évidemment un spécialiste reconnu des portés acrobatiques.

Alors, c’est de la chorégraphie ? Oui, un peu, dans quelques mouvements, et de bonne facture. Au final, c’est un peu de tout ça, avec des chants très mélodiques, sur une langue inventée tout spécialement pour ce spectacle.

Confortablement installé, dans la travée centrale, au huitième rang, à un siège de distance de la présidente du Festival, Françoise Nyssen, j’ai vu rentrer doucement les vingt-deux acteurs de cette troupe, vêtus de couleurs pastel, avec de larges ceintures, bien utiles pour les grimpers les uns sur les autres.

Tout se joue de manière fluide, aérienne, les lancers et les rattrapages paraissent s’enchaîner très naturellement, sans aucun heurt : on n’est ni vraiment au cirque, ni dans une compétition de gymnastique, même pas dans ces traditionnelles tours humaines de Catalogne.

Pour ma part j’ai vu une forêt, des vagues de la mer, le vent, et même un tableau qui m’évoquait le célèbre tableau du radeau de la Méduse. Mais je suppose que chaque spectateur a pu voir tout autre chose, au gré des évocations proposées sur cette scène, que la troupe occupe entièrement.

Je me répète, tout ça est très fluide, même les portés à trois acteurs, quatre une fois (de manière très brève), et on ne s’aperçoit de l’équipement sonore de chacun qu’à leur sortie.

Aux saluts de fin, très applaudis par la salle, et après l’intervention sur les inquiétudes du spectacle vivant, la troupe se sépare en deux, et sort en chantant au milieu du public.

Ce fut pour moi une très belle soirée, et je remercie l’équipe de programmation du Festival de nous avoir offert ce très agréable spectacle.

Et comme je suis très nul en prise de vues photographiques, je vous offre ces belles photos, chopées sur la page facebook de Christophe Reynaud de Lage, le photographe officiel du Festival d’Avignon.

Vu le 24 juillet 2026 - Pierre PLATON

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SWING HEIL

A 13h00 au théâtre LA NOUVELLE ETINCELLE

Relâches les 8, 15 et 22

SWING HEIL, texte et mise en scène de Romuald Borys, interprété par Jimmy Daumas, compagnie le Road Movie Cabaret.

1960, Richard, la quarantaine, revient pour la première fois – depuis 20 ans – à Hambourg… sur les lieux de sa jeunesse…

Ses pas le conduisent devant un immense bâtiment délabré, à la façade décrépite, sur laquelle on peut

encore lire ces lettres : Heinze Café.

Le bâtiment va être détruit. Richard passe outre l’interdiction d’entrer et pénètre au cœur de ce lieu abandonné… au cœur de ses souvenirs… au cœur de son passé.

Il ferme les yeux et il replonge à Hambourg en décembre 1938, quelques mois seulement avant l’invasion

de la Tchécoslovaquie et de la Pologne. Richard a 17 ans et il refuse de s’engager dans les Jeunesses Hitlériennes.

Sa vie, c’est le swing : il participe aux soirées les plus « swinguantes » du Heinze Café en se foutant bien de

ceux qui marchent au pas, au son des bottes des nazis…

C’est un adolescent amateur de jazz et de swing, il écoute la BBC et se retrouve avec d’autres swingueurs

en cachette pour des nuits de danse échevelées dans un dancing clandestin.

Il redécouvre avec jubilation cette liberté de ton et de mœurs et cette musique qui ulcère délicieusement

les nazis : une musique de « dégénérés » interprétée par des juifs (Benny Goodman, Artie Show…).

Tout bascule le jour où les Jeunesses Hitlériennes deviennent obligatoires.

Richard se confronte alors à la vraie nature des nazis.

Il va devoir faire des choix : collaborer en étant fidèle à sa patrie ou se révolter au péril de sa vie… Obéir ou

résister…

La pièce est l’histoire vraie d’une jeunesse allemande qui se bat pour arracher sa liberté…

On vit la danse avec ses jeunes passionnés, on plonge dans cette Allemagne nazie de 1938, on vit de

l’intérieur ce dilemme auquel toute une génération va être confrontée, prise au piège, on appréhende la

montée inexorable du nazisme par une mise en scène qui va crescendo.

La performance du comédien est incroyable dans ce seul en scène où il incarne tous les personnages avec

force.

La pièce a une portée qui dépasse de loin le contexte de l’Allemagne nazie et trouve un écho dans les

conflits actuels.

Faut-il se plier à la règle, faut-il accepter ou faut-il résister ? On parle de jeunesse gâchée qui se retrouve

piégée et tente par tous les moyens de vivre simplement en exerçant une forme si belle de liberté : la

danse. La symbolique du mouvement, de la joie, du collectif derrière la danse est aussi très pertinente pour

témoigner d’un combat qui vient nous bouleverser.

Une pièce à voir absolument tant par le sujet que par le message fort qu’elle déploie ! Une pépite du

festival.

Maria PARIZAT

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L’APPEL DE LA FORÊT, d’après le chef-d’œuvre de Jack London

A 10h00 au théâtre LA LUNA

Du 4 au 25 juillet

L’APPEL DE LA FORÊT, adaptation et mise en scène de Romuald Borys, interprété par Jimmy Daumas,

compagnie Le Road Movie Cabaret.

Si vous n’avez pas lu le livre de Jack London, L’appel de la forêt dans sa version théâtrale vous enchantera sans aucun doute.

La pièce raconte l’histoire de Buck, un chien domestique, arraché à sa vie confortable en Californie et

propulsé dans les étendues sauvages et hostiles du Yukon à la fin du XIXe siècle. Membre d'une équipe de chiens de traîneau durant la ruée vers l’or, il sera confronté à une vie brutale au service de plusieurs maîtres qui vont le soumettre à coup de bâton. Il traversera de nombreuses épreuves face à la cruauté des hommes et au sein de sa meute, il devra se défendre pour survivre

Un seul comédien sur scène incarne avec puissance tous les personnages, humains et animaux, embarquant le spectateur dans une quête libératrice, entre sauvagerie et humanité.

Nous sommes transportés dans une véritable épopée animale, sonore et visuelle, nous immergeant dans le Grand Nord, et mêlant art du conteur, incarnation des personnages et théâtre musical.

Buck cédera-t-il à l'appel sauvage et rejoindra-t-il ses frères loups ? La pièce est une ode à la nature et à l'émancipation, une ode à la liberté. Elle nous parle aussi du désapprentissage et du retour à l’état sauvage.

Elle nous questionne sur notre rapport aux animaux et à la nature sauvage dans sa version la plus brute.

Une performance extraordinaire, je suis sortie bouleversée et rassurée sur le fait qu’un animal, et plus

particulièrement ici, un chien, soit mis à l’honneur dans sa bonté et sa force.

Ils sont nos compagnons de route… Et nos plus fidèles amis.

Un spectacle à voir absolument, c’est la dernière ligne droite avant la fin du festival !

Maria PARIZAT

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RENCONTRE AVEC SNOWDEN

A 14h40 au théâtre La Factory, salle Tomasi

Du 3 au 25 juillet

Durée : 1h20

RENCONTRE AVEC SNOWDEN, Mise en scène : Sylvain Bastonero , interprétation: Alexis Tran, Célya Humann, Guillaume Blanchard, Orianne Dumeny, Sylvain Bastonero, Jérémy Scheffler, compagnie Les Fouillons.

Vous souvenez-vous de ce lanceur d’alerte Edward Snowden ? Car c’est son histoire qui est racontée dans cette pièce à la mise en scène vive, inventive et remarquablement rythmée.

Resituons le personnage :

Edward Snowden est un informaticien et lanceur d'alerte américain, naturalisé russe en 2022. Ancien employé de la Central Intelligence Agency (CIA) et de la National Security Agency (NSA), il a révélé l'existence de plusieurs programmes de surveillance de masse américains et britanniques. Il a sacrifié sa liberté au nom des valeurs qui sont au cœur de l’idéal démocratique. Si son combat est désormais bien connu, sa personnalité, son parcours et les raisons profondes de son engagement le sont moins. Pour interroger le sens de ce geste, à la fois politique et moral, l’auteur et comédien Sylvain Bastonero choisit de mettre en scène la rencontre qui s’est réellement déroulée en 2017 entre Edward Snowden et Flore Vasseur, réalisatrice notamment du remarquable documentaire produit par Arte, Meeting Snowden.

À travers ce récit, la pièce interroge les grandes questions de notre époque : la liberté, la surveillance et notre rapport à la technologie.

Le spectacle suit deux trajectoires. Celle d’Edward Snowden, jeune informaticien idéaliste qui s’engage au service de son pays avant de découvrir l’ampleur des systèmes de surveillance mondiale. Et celle de Flore, personnage inspiré de Flore Vasseur, qui cherche à comprendre les mutations du monde contemporain.

En parallèle, la pièce dévoile l’intimité d’un choix impossible : celui d’un homme contraint de garder le silence pour protéger la femme qu’il aime.

Lorsque les deux personnages se rencontrent enfin, leurs parcours se croisent autour d’une question essentielle : jusqu’où sommes-nous prêts à aller pour défendre la liberté ?

Il ne s’agit pas seulement ici de raconter une affaire devenue célèbre. La pièce interroge ce que signifie défendre concrètement les valeurs démocratiques lorsque celles-ci sont menacées par ceux-là mêmes qui prétendent les incarner. Elle pose aussi la question de l’engagement, du courage, du prix à payer lorsqu’on refuse de se taire, et de la solitude de ceux qui choisissent de révéler des scandales d’État.

Nous nous retrouvons complètement immergés dans ce spectacle à l’allure d’un thriller haletant, mêlant récit et théâtre documentaire en s’appuyant sur quelques vidéos particulièrement marquantes comme les images du 11 septembre.

Les comédiens sont très talentueux et déploient sur scène une énergie incroyable, le sujet est essentiel et la mise en forme particulièrement audacieuse.

A voir absolument surtout si vous aimez les sujets brûlants d’actualité !

Maria PARIZAT

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MÉCANIQUE D’UNE FAMILLE

Par les créateurs de « Filles d’Ariane », succès Avignon 2024-2025

A 17h35 au théâtre de l’Oriflamme

Tous les jours sauf le jeudi

MÉCANIQUE D’UNE FAMILLE, écrit et mis en scène par Martin Kindermans, interprété par Valentine Daruty, Marion De Schrooder et Thomas De fourchecour compagnie Le Petit Manteau Jaune.

Ou quand le théâtre joue un rôle de mémoire en tant qu’art, en s’immergeant dans le passé et en le rendant présent.

Il s’agit ici de la mémoire argentine avec l’instauration, en 1976, d’une dictature. Ce régime a mis en place ce que la justice argentine a qualifié de « plan systématique d’extermination » comprenant des disparitions forcées, des tortures, l’appropriation des bébés et l’utilisation de centres clandestins de détention. Des milliers de personnes, principalement des jeunes, ont été enlevés par les forces de sécurité de l’état sans laisser de trace.

La pièce explore cet épisode tragique sous la forme d’une enquête sur la véritable histoire des enfants volés sous ce régime qui a duré jusqu’en 1983.

Nous sommes à Buenos Aires, en 2009. Soledad et Costanza, deux sœurs, se retrouvent pour dîner. Deux femmes qui se retrouvent mais en réalité deux vies construites sur un mensonge.

L’une a grandi en croyant être la fille d’un officier militaire. L’autre a grandi en croyant être sa sœur. Elles l’étaient, aux yeux de tout le monde — jusqu’au jour où la vérité a tout brisé. Soledad fait partie des cinq cents enfants arrachés à leurs parents sous la dictature argentine, puis confiés à des familles de collaborateurs. Constanza est la fille d’un des officiers responsables. Dix ans après avoir appris la vérité, c’estla première fois qu’elles se revoient…

La pièce explore les répercussions intimes de la dictature à travers le prisme d’un drame familial. Entre vérité et filiation, le spectacle interroge la reconstruction d’une identité brisée.

Mécanique d’une Famille ne raconte pas l’histoire d’une victime. Elle raconte la rencontre entre deux femmes qui ont vécu le même mensonge, mais de chaque côté. Ce que ça fait de découvrir que celui qu’on appelait « père » était un bourreau. Ce que ça fait de devoir choisir entre la loyauté envers sa famille et la vérité.

La pièce est d’une justesse saisissante et interprétée de manière magistrale par trois jeunes comédiens.

On ressort ému, bouleversé intimement car le thème abordé nous plonge au cœur de ce que vivent encore aujourd’hui des centaines de familles en Argentine. Un très bel hommage, juste et sincère, entrepris par cette compagnie qui s’empare de la profondeur sensible du sujet.

Un grand bravo pour cette création 2026 !

Maria PARIZAT

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LA GUERRE DES ÉMEUS

A 19h45 au théâtre La factory, salle Tomasi

Relâche le jeudi

La guerre des emeus, de Antoine Le Frère et Florent Oulkaïd, mis en scène par Elisa Mabit et Damien Raynal, interprété par Antoine Le Frère et Florent Oulkaïd.

Nous voici plongés dans une comédie satirique qui s’inspire de la seule et unique guerre « inter-espèces » qui a été menée par une armée humaine.

Je m’explique. Nous sommes en 1932, en Australie. Les agriculteurs font appel à l’armée australienne pour les aider à défendre leurs terres contre un animal bien étrange : l’emeu, un genre de petite autruche. Face à cet animal indomptable, l’opération militaire, bien que sérieuse sur le plan stratégique, se transforme en épisode ridicule et humiliant pour l’armée.

A partir de cette anecdote historique absurde mais bien réelle, Antoine Le Frère et Florent Oulkaïd vont construire un spectacle à la manière d’un film de guerre pour tourner en dérision les velléités guerrières comme les velléités de conquête.

Ils réalisent la prouesse d’incarner à deux une quinzaine de personnages hauts en couleurs : un jeune soldat naïf et simplet qui rêve de devenir un héros de guerre, un général obsessionnel et incontrôlable ivre de grandeur, un ministre retors et orgueilleux, une femme de soldat perplexe, lucide mais que personne n’écoute, deux militants pacifistes dont le militantisme s’arrête avant le passage à l’action… On jongle entre le front, les bureaux des décisionnaires, l’arrière avec les civils, pour multiplier les points de vue et montrer le ridicule de ces hommes - et tout cela à un rythme effréné.

Des galeries de visages, d’expressions qui ouvrent un large panorama quasi sociologique d’une société malade et qui nous montrent la folie des Hommes.

Car ce qui est pointé du doigt n’est rien moins que le ridicule du virilisme, la guerre ici est une histoire de « couilles », de virilité toxique, de culte de l’honneur masculin. Et elle montre aussi la démagogie politique et l’industrie du courage fabriqué de la guerre. Elle pointe aussi l’obsession humaine de dominer le vivant, la logique d’expansion sur des territoires qui ne nous appartiennent pas, la place des femmes cantonnées à attendre et à se taire.

On ne peut que faire le lien avec notre actualité : les travers de nos dirigeants, les mécanismes du pouvoir et les absurdités de notre époque qui font échos à ceux d’hier. Rien ne change en ce qui concerne la bêtise humaine, inutile de faire l’autruche.

Ce spectacle est époustouflant, survolté, corrosif, la mise en scène en cascade comme le texte sont d’une ingéniosité redoutable. Les comédiens montrent un sens aigu de la caricature et nous transportent d’un personnage à l’autre avec un humour décapant.

Précipitez-vous sur les dernières places, vous ne le regretterez pas ! Rire et réflexion garantis !

Maria PARIZAT

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"YONGOYELY". 

Le punch des femmes (et des hommes) d’Afrique !

du 4 au 25 juillet relâche les 6, 13, 20 juillet

14h25 1h10

SCALA PROVENCE (ancien Capitole)- rue Pourquerie de Boisserin Avignon

par Circus Baobab/R' en Cirk - Compagnie française professionnelle

Mise en scène Yann Ecauvre - Direction artistique Kerfalla Camara - Acrobatie Bambo Camara, Mamadama Camara, Yarie Camara, Mariama Ciré Soumah, M'mah Soumah, Diara Sourro, M'Mah Sylla , Amara Tambassa, Mohamed Touré, Kadiatou Camara.

Production Richard Djoudi - Création lumière Jean-Marie Prouveze - Création son Mehdi Azema - Régie générale Ludivine Reynier

Ouarf ! On en prend plein les mirettes et plein la gueule ! Plein les yeux par la prouesse technique et la qualité circasienne des artistes danseurs. Plein la gueule par le message féministe porté par ces femmes – en majorité dans la troupe – qui arrivent à transformer un sujet sensible (excision, oppression) en une performance physique et poétique.

D’entrée on reste ébahi devant ces femmes superbes, athlétiques et colorées qui dansent avec un parpaing sur la tête ! Le spectacle plonge le public dans l’ambiance chaotique et vibrante de Conakry, entre poussière, parpaings, et cris. Cette immersion sensorielle permet de dépasser le simple divertissement pour toucher à une expérience presque documentaire, tout en restant accessible à un public international (le spectacle est non verbal).

Ce spectacle mêle cirque contemporain et engagement social, en mettant en lumière la vie quotidienne des femmes et des hommes de Conakry, en Guinée. À travers des numéros acrobatiques (acrobaties, voltige, barre russe, fouet, mas chinois, etc.), la troupe explore des thèmes universels : l’espoir d’une vie meilleure, la lutte contre les oppressions coutumières, et l’émancipation des femmes dans une société en pleine mutation.

Si la dimension acrobatique est indéniable, certains pourraient reprocher au spectacle un déséquilibre entre la performance physique et la profondeur du propos. Le risque, inhérent au cirque engagé, est que le message politique ou social soit parfois noyé sous la virtuosité technique, surtout pour un public moins familier avec les enjeux guinéens.

"Yongoyély" se positionne comme une œuvre hybride, à la croisée du cirque, du théâtre et du plaidoyer social.Son originalité réside dans sa capacité à transcender les frontières culturelles tout en restant ancré dans une réalité locale. En cela, il incarne parfaitement l’esprit du Festival Off Avignon : un lieu de rencontre entre art et engagement, où la scène devient un espace de résistance et d’espoir.

Hypertonique!

A voir vite, vite ! C’est bientôt fini…

Jean Victor JOUBERT

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La Ménagerie de Verre

de Tennessee Williams

Au Théâtre du Balcon

du 4 au 25 juillet relâche les 9, 16, 23 juillet

10h00 1h30

THÉÂTRE DU BALCON

Mise en scène Philippe PERSON - Interprétation Blaise JOUHANNAUD, Florence LE CORRE , Antoine MAABED,Alice SERFATI

Écrite en 1944, cette pièce est l’une des premières de cet auteur, l’un des écrivains majeurs de la littérature et du théâtre américain. On dit qu’elle est largement inspirée de sa propre famille.

L’histoire se passe dans les années 30, à Saint-Louis (Missouri).

Elle met en scène la famille Wingfield, où la mère, Amanda, élève seule, avec difficulté, ses deux enfants, Tom et Laura. Le garçon, l’aîné, travaille et se réfugie dans la fréquentation des salles de cinéma : mais il ne rêve que de fuir le foyer, comme l’a fait avant lui le père absent. Cependant que sa jeune sœur, boiteuse, repliée sur elle-même, maladive, se réfugie, au lieu d’aller à l’école, dans sa collection de figurines de verres multicolores, d’où le titre de la pièce.

C’est Tom qui est le narrateur : il aspire à devenir poète, mais il est retenu par ses obligations morales auprès de sa mère et sa sœur, étant le seul à travailler.

Cédant à l’exaspération de sa mère, qui ne rêve que de son passé de jeune femme, Tom invite un soir à dîner un de ses collègues de travail, Jim O’Connor, jeune homme ordinaire, dont sa mère caresse l’espoir qu’il séduise Laura et l’épouse, pour ne pas qu’elle devienne vieille fille.

Mais ce dîner, et la suite, ne se passent pas comme prévu. Jim et Laura finissent par sympathiser, et Laura, qui n’a jamais connu de garçon, est troublée par un petit baiser que lui donne Jim : elle en devient rayonnante de joie, quittant son attitude neurasthénique. Mais, patatras, le jeune homme lui dit qu’il est fiancé et qu’il va bientôt se marier !

Le rêve fou d’Amanda s’écroule, Laura redevient plus pétrifiée qu’avant, et Tom quitte son emploi et le domicile familial pour suivre sa propre voie : fin de la pièce sur cet échec total de l’imaginaire, la dure réalité a repris le pouvoir.

La pièce se joue dans un décor unique, avec d’un coté la salle de séjour et de repas, et de l’autre le canapé où se réfugie Laura, et sa ménagerie de verre. Quelques phrases projetées au fronton de la salle évoquent les différents actes qui se jouent.

Les quatre comédiens jouent parfaitement leurs rôles, avec une mention particulière à celui qui joue le rôle de Tom, narrateur et protagoniste de l’action.

Les applaudissements du public, dont les miens, sont amplement mérités.

Pierre PLATON - Vu le 20 juillet à 10 h

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MONSTRE-MOI

Création 2026

A 20h35 au théâtre de l’Oriflamme

MONSTRE-MOI, écrit et mis en scène par Laëtitia Leroy, interprété par Chloé Angevin et Clara Hertz, création 2026 de la compagnie Soleil Noir.

Une salle d’interrogatoire froide, électrique… Deux femmes : une psychiatre et une tueuse en série. Un huis-clos troublant s’installe et nous happe dans ce thriller psychologique, intense et déroutant.

S’inspirant d’histoires réelles, de profils documentés, d’entretiens cliniques, les personnages nous paraissent plus réels que fictifs et nous plongeons dans la relation qui s’établit entre ces deux femmes et qui se trouble au fur et à mesure que les entretiens s’enchaînent.

La psychiatre doit tenter de percer les mystères des motivations de sa patiente, elle a besoin de connaître son passé, de comprendre ce qui a pu l’amener à commettre ces crimes. Mais au fil des entretiens, la relation glisse et les frontières entre elles s’effacent au fur et à mesure que l’histoire se déroule. Les certitudes se brouillent, les rôles se déplacent et les liens entre elles évoluent vers une emprise insidieuse que la tueuse

exerce sur sa psychiatre.

De ces liens étranges qui se tissent, des questions viennent à nous : comment se construit un monstre ?

Qu’est-ce qui peut amener quelqu’un au point de bascule ? Quelle est la part d’humanité dans la « monstruosité » d’un tueur ? La psychiatre joue aussi le rôle « d’avocat du diable » au point de basculer dans un contre-transfert dangereux et une relation amoureuse avec sa patiente.

Le spectateur est dérouté, se questionne et est tenu en haleine jusqu’à la dernière seconde.

L’interprétation est magistrale et juste et nous laisse en tension tout du long et même après le spectacle.

Une création à ne pas manquer !

Maria PARIZAT

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Le Conte d’Hiver

Au Théâtre du Chêne Noir

Salle Léo Ferré

du 4 au 25 juillet relâche les 6, 13, 20 juillet

12h30 1h50

Ce qu’il y a de bien avec les auteurs classiques, que ce soit Molière, Shakespeare, Corneille, ou même Tchekhov, c’est que leurs œuvres deviennent littéralement intemporelles, que l’on peut y traiter de tout, que l’action se déroule au 17ème ou au 19ème siècle.

C’est le cas avec ce Conte d’Hiver, magistralement interprété par une troupe de sept comédiens, mis en scène par Corinne Anglade, qui traite d’une maladie, d’une folie, commune à tous les hommes et les femmes : la folie, ici poussée à son paroxysme. Mais, comme souvent dans certaines pièces de Shakespeare, on passe de la plus noire tragédie à la plus délurée comédie, c’est tout le charme de cette pièce, que les exégètes placent dans le registre de la tragicomédie !

Léonte, roi de Sicile, et Polixène, roi de Bohème, sont de vieux amis, et se considèrent quasiment comme frères. Mais alors que Polixène est en visite officielle en Sicile, Léonte est pris d'une folie passionnelle et destructrice : la jalousie. Il soupçonne sa femme Hermione d'avoir une relation adultère avec son ami d'enfance et de porter l'enfant né de cette trahison.

Rien ne peut le délivrer de cette folie destructrice, qui oblige Polyxène à fuir. Les oracles innocentent Hermione, il la fait enfermer. Mais en prison elle accouche d’une fille, que Léonte traite de bâtarde et ordonne qu’on l’abandonne dans un lointain pays peuplé de bêtes féroces.

Léonte fait subir un procès à son épouse, où elle clame son innocence : peine perdue, de chagrin elle se laisse mourir. Cependant que le premier enfant du couple, lui aussi, se laisse mourir.

Léonte est alors un roi brisé, ayant perdu sa femme, ses deux enfants, et l’amitié de Polixène.

Pendant ce temps, la petite princesse est miraculeusement sauvée d’un ours, qui dévore le serviteur royal venu la déposer, et recueillie par un brave paysan, qui se doute qu’elle est de sang noble.

C’est alors que l’on fait un bond de seize ans dans le temps, pour entrer dans la seconde partie, celle de la comédie joyeuse, avec la princesse, devenue une belle jeune bergère, qui tombe amoureuse du fils (déguisé en berger) de Polixène. Mais ce dernier est bien résolu à empêcher ce mariage, et il se déguise lui aussi en berger, pour participer à la fête de la tonte des moutons.

Alors, là, nous assistons à une fête endiablée, à laquelle se mêlent six spectateurs volontaires, c’est une partie très réjouissante du spectacle.

Finalement, après quelques péripéties, nos jeunes tourtereaux finissent par être reconnus fils et filles de rois, et l’on se retrouve à nouveau à la cour de Léonte, brisé, éperdu de chagrin, qui est tout heureux de retrouver son vieil ami Polixène et sa fille qu’il croyait morte.

Et la pièce se clôt par un véritable miracle : grâce à la magie de sa fidèle servante, la statue d’Hermione reprend vie, et elle pardonne à son époux le mal qu’il lui a fait seize ans auparavant.

Tout est bien qui finit bien !

Une brillante distribution, avec des comédiens acteurs et chanteurs, qui jouent tout autant la noirceur que la joie, avec une mise en scène majestueuse et tourbillonnante, dont un beau lustre qui joue son rôle de décor royal.

Mention particulière pour moi à Laurent Montel, avignonnais, ancien de la Comédie Française, et partenaire maintenant du Chêne Noir. Mais les autres comédiens sont à l’unisson de ce beau spectacle, que j’ai applaudi avec le grand plaisir que j’y ai pris.

Pierre PLATON

Vu le 17 juillet à 12 h 30

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Le nectar des dieux

Une histoire du vin, sans gueule de bois !

de Lucas Gonzalez, François Piel-Flamme et Hugo Klein.

 Par la Compagnie des Désignés Volontaires

du 4 au 25 juillet relâche les 15, 22 juillet

18h30 1h10

Théâtre Le Grand Pavois

13 rue Bouquerie

Avignon

Pièce déconseillée aux aqualiques, "Le Nectar des dieux" donne envie de trinquer ! Tout commence aussi simplement qu’on ouvre une bouteille. Une table, deux chaises, et le vin qui fait parler. Deux hommes racontent ce qu’il transporte, d’où il vient, ce qu’il déclenche. Au fil du récit, les histoires arrivent et les figures du passé s’invitent. Le vin devient prétexte à raconter ce qu’on partage quand on trinque.

C’est une comédie d’un nouveau genre, une invitation au partage de bouteilles, de savoirs et de rires. Il mêle humour et vulgarisation historique autour du vin, avec des références à César, Dom Pérignon, Marie-Antoinette, et bien d’autres, pour une traversée de 10.000 ans d’Histoire. L’ambiance est légère, survoltée, et donne envie au spectateur de déboucher une bouteille et de refaire le monde.

Chapeau les artistes : les deux acteurs réussissent le défi de nous apprendre l’histoire du vin à travers des anecdotes et des scénettes tordantes. On se croirait " Au bistro de la Toile !"

Et comme dirait tonton Horace "Nul placer nec vivere carmina possunt  quae scribuntur aquae potoribus" ce qui veut dire quelque chose comme "Ne vivront pas les plaisirs ni les poèmes écrits par les buveurs d'eau".

Victor AYOLI

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« Emballage », d’André Benedetto,

Au Théâtre de la Rotonde, à 18 h

du 4 au 18 juillet relâche les 7, 14 juillet

18h00 1h05

Plus que deux jours, aujourd’hui et demain 18 juillet,

ROTONDE (THÉÂTRE DE LA)
Salle : Pierre Semard

Ça fait plaisir de retrouver une pièce du grand André Benedetto, qu’il a écrite en 1970, jouée de fort belle manière par la Compagnie locale « La Parole Rouge ».

C’est l’histoire, toute simple au départ, d’Alexandre, qui, ayant faim, veut manger un poisson. Oui, mais voilà, comme il n’a pas d’argent, il va se heurter à tous les mécanismes économiques et sociaux du capitalisme, et il va apprendre ce que veulent dire valeur d’usage, valeur d’échange, plus-value, exploitation de sa force de travail, et tout ça avec plein d’humour.

Mais cet humour va tout de même virer à l’aigre quand les rôles seront inversés entre lui et sa compagne, Berthe, qui deviendra salariée d’un patron tout « bienveillant » d’exploitation. Alors les spectateurs entreront dans la pièce, en se levant comme les ouvrières en grève ,et en bombardant le patron de projectiles (des boulettes de papier, en l’occurrence).

Puis tout redeviendra comme avant, l’homme restant une marchandise comme une autre ; cependant qu’un espoir se lève, matérialisé par des slogans de solidarité inscrits sur les murs du fond ,et découverts après qu’on a enlevé les cartons qui le tapissaient.

Un décor fait de cartons d’emballages, un dispositif sonore et lumière bien adapté, et surtout un jeu très énergique de nos trois comédiens, Marie Hurault (petite-fille de Bertrand, compagnon historique d’André Benedetto), Salvatore Franco, et Tibor Bricalli, impayable patron de ce conte moderne, dont l’absurdité nous révèle en nous faisant rire les contradictions du monde de la production capitaliste.

Le tout accueilli dans ce Centre Culturel des Cheminots, à l’écart du centre-ville, où l’on peut, sous les arbres, se détendre avec la buvette et les grillades.

Plus que deux jours à aller le voir, aujourd’hui et demain 18 juillet, à 18 h, au 1A Rue Jean Catelas

Pierre PLATON

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L’AVARE de Molière 

revisité par Tigran Mekhitarian

Classiques revisités

L'AVARE

du 04 au 25 juillet à 17h 

Le Chêne Noir

Relâches les 6, 13 et 20 juillet

Après le succès du Malade imaginaire au Théâtre du Chêne Noir au Festival OFF 2025, Tigran Mekhitarian signe sa nouvelle création : L'Avare, entièrement repensé pour la scène d'aujourd'hui.

Huit comédiens, de la danse, du chant, un rythme qui ne lâche rien.

Tigran Mekhitarian reste fidèle à l’esprit de Molière tout en rendant la pièce résolument contemporaine. Les thèmes de l’inégalité, de l’argent roi, des amours interdits et des unions imposées sont mis en avant, montrant que Molière, en 2026, est plus brûlant que jamais.

La signature du metteur en scène — « comprendre plutôt que juger » — permet de révéler la complexité des personnages, notamment Harpagon, présenté comme un homme seul, cabossé, qui a cessé de croire en l’humain et s’est réfugié dans l’argent. Cette obsession est traitée avec une violence ordinaire qui touche et fait réfléchir, tout en gardant la dimension comique de la pièce.

La mise en scène est dynamique, mêlant comique et tragique, avec des dialogues portés par un parler sec, rapide et nerveux, proche de la jeunesse populaire actuelle. Cela rend les joutes verbales très vivantes et accessibles.

Le spectateur est parfois invité à choisir son camp (aider Harpagon ou celui qui le vole), ce qui renforce l’immersion et l’engagement émotionnel.

Certains effets peuvent sembler un peu téléphonés ou forcés, même si des trouvailles plus surprenantes et réussies compensent ces moments.

La mise en scène de Tigran Mekhitarian pour L’Avare est globalement saluée pour son audace, sa capacité à rendre Molière actuel et percutant, tout en gardant la profondeur psychologique et sociale du texte original. Le spectacle cogne, émeut et fait rire, ce qui en fait une réussite à la fois artistique et populaire.

Victor AYOLI

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LA NUIT SE LÈVE

A 15h45 au Théâtre des Carmes André Benedetto

Durée : 1h40, à partir de 16 ans

Fiction théâtrale documentée sur l’inceste.

LA NUIT SE LÈVE, écrit par Melissa Zehner, crée par la Compagnie Les Palpitantes, interprété par Laura Barida, Sara Charrier, Vinora Epp, Maud Gripon et Melissa Zehner.

Réunies à l’occasion d’une soirée en hommage à une amie, cinq femmes, membres de la même association d’aide aux victimes d’inceste, vont s’immerger dans leur passé trouble, les abus sexuels vécus au sein de leur foyer familial.

A travers leurs portraits, leurs parcours intimes et les alliances qu’elles tissent entre elles, Melissa Zehner déroule avec finesse et délicatesse ces récits sortis des ténèbres pour dénoncer l’indicible et la fabrique du silence qui entoure ce sujet si tabou.

Certaines œuvres ont le pouvoir de mettre des mots sur ce qui reste trop souvent tu. La pièce « La nuit se lève » fait partie de celles-là.

A travers une écriture sensible et polymorphe, usant de la musique, de la danse, de l’art et une esthétique qui travaille sur le besoin de fiction, cette pièce aborde avec justesse la question de l’inceste et de ses conséquences.

Elle explore les mécanismes du silence, de l’emprise et de la reconstruction à travers cinq personnages aux parcours différents, elle donne à voir les répercussions profondes des violences incestueuses, non seulement sur les victimes mais aussi sur leur entourage et sur la manière dont la société accueille- ou peine encore à accueillir- leur parole.

Elle met en scène la colère, les combats tout autant que la joie et le rire. L’art ici devient salvateur.

Les comédiennes sont lumineuses et époustouflantes de justesse.

Le théâtre devient ici un espace de réflexion et d’écoute. En donnant une voix à celles et ceux qui ont été réduits au silence, « La nuit se lève » invite le public à regarder une réalité trop souvent invisible, destructrice et à interroger les tabous qui l’entourent.

A l’heure où la libération de la parole sur les violences sexuelles continue de transformer les consciences, cette pièce rappelle l’importance de croire les victimes, de reconnaître leur vécu et de favoriser une prise de conscience collective.

Une œuvre forte, nécessaire et profondément humaine qui démontre que l’art peut être un puissant levier de sensibilisation et de dialogue.

Superbe. A ne surtout pas manquer !

Maria PARIZAT

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Carnets d’Ukraine

Au Chêne Noir, à 16 h 15

De Michel Hazanavicius - Adaptation, mise en scène et musiques I Julien Gelas

Assistante à la mise en scène I Lola Ravoux - interprète I Hugo Becker

Lumières I Guillaume Gandon - Son I Noé Courbet - Vidéo I Guillaume Niemetzky

Une production Théâtre du Chêne Noir

Coproduction : Théâtre Marigny

Ce spectacle est né de plusieurs rencontres : celles de Michel Hazanavicius sur place en Ukraine, puis celle de Julien Gelas avec ce texte, qu’il adapte et met en scène dans son propre théâtre.

Cinéaste reconnu, et dérangeant, Michel Hazanavicius s’est rendu plusieurs fois en Ukraine en novembre 2023, et en a tiré un ouvrage, « Carnets d’Ukraine », publié en 2025.

Seul sur scène, le comédien Hugo Becker nous retrace ces portraits d’hommes et de femmes, rencontrés soit sous les bombes des russes dans les villes, soit au plus près du front. Ce sont bien souvent des acteurs du monde culturel, qui ne baissent pas les bras malgré la longueur et la brutalité de la guerre : ils ont créé un mouvement, « Les forces culturelles » ,qui apporte un peu d’humanité au cœur des combattants et des victimes.

Au fur et à mesure des évocations des personnages, sont projetés leurs portraits ,dessinés au crayon par M. Hazanavicius. Ils illustrent ce que racontent ces artistes, mais également quelques combattants, sur le vécu de ce douloureux conflit, où quelques esprits mal tournés, chez nous, ont adopté la posture de Poutine sur la fable des néo-nazis ukrainiens.

Se détache pour moi le personnage du soldat, peut-être fruste, mais certainement abruti par le combat au front, qui débite quelques blagues triviales qui circulent dans les tranchées : tel ce soldat à qui le bras a été arraché, et qui, devant le refus du chirurgien de le lui recoudre, le brandit en demandant à la cantonnée si quelqu’un aurait besoin d’un bras…

Un spectacle sans esbroufe ni pathos inutiles, avec un jeu de lumières sobre et les musiques de Julien Gelas lui-même : il témoigne de l’utilité et de la puissance de l’art, qui apporte solidarité et partage dans un monde qui en a bien besoin, en Ukraine comme ailleurs.

 Pierre PLATON - Vu le 11 juillet 2026

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RASSEMBLEZ LES CORPS !

A 17h30 au théâtre EPISCENE

Durée : 1h15

RASSEMBLEZ LES CORPS ! comédie écrite et mise en scène par Aurélie Camus, interprété par Aurélie Camus pour les rôles féminins, Julien Debuys et Simon Jouannot pour les rôles masculins, scénographie de Jérôme Sauvion.

Le caveau des Raveuil est plein. Pour que Jeanne Raveuil puisse un jour reposer en paix près de son mari, l’entreprise Les Chaussures Noires procède à une réduction de corps. Cela consiste à rassembler plusieurs personnes dans le même cercueil, pour faire de la place. Amaury, enterré depuis plus d’un siècle, vit une mort paisible, organisée et confortable. Mais c’était sans compter l’arrivée inopinée de Gaspard, son cousin.

Ils ont grandi ensemble, ont beaucoup de souvenirs communs. Et pourtant les retrouvailles sont électriques.

Qu’a-t-il bien pu se passer entre eux ? Forcés de cohabiter, ils vont se remémorer les bons comme les mauvais souvenirs, et se faire petit à petit à ce nouveau « mode de mort » en colocation.

Cette comédie loufoque parle d’amour, de la famille avec ses forces et ses faiblesses, ses pesants de malheurs et ses instants de bonheurs. Elle interroge avec humour le poids des secrets de famille et de nos héritages invisibles et tout ça, dans un huis-clos funèbre dynamique et très vivant !

Je retiens la boîte à bonbons de la grand-mère comme une madeleine de Proust, un moment de douceur et d’amour, l’empreinte sensorielle d’un instant passé, je retiens les instants de bonheurs fugaces, la nostalgie de nos proches vivants ou morts… Je retiens les moments de pardon après la colère et l’apaisement des cœurs.

Un très beau moment que je vous conseille vivement !

Maria PARIZAT

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LA PROMESSE DES OMBRES, d’après Stefan Zweig

A 15h55 au Théâtre EPISCENE

LA PROMESSE DES OMBRES, première adaptation lors de la nouvelle de Stefan Zweig « Le voyage dans le passé » présenté par La Compagnie Strapathella, de Jean-Benoît Patricot, mis en scène par Laetitia Lebacq assistée par Patricia Marquet, interprété par Laetitia Lebacq, Mickael Pernet et Pierre-Humbert Pottiez au violon.

Êtes-vous tenté par une bulle de romantisme, de poésie et d’humanité ? Alors faites une escale au théâtre EpiScène !

Ludwig, un jeune homme pauvre, mû par une volonté farouche, tombe amoureux de la femme de son riche bienfaiteur, mais il doit partir deux ans au Mexique pour une mission de confiance. Avant son départ, elle lui fera une promesse… Leur amour se poursuit par correspondance et les jours, les semaines, les mois, les années s’égrènent dans l’attente des retrouvailles. Mais la Grande Guerre éclate. Les amants ne se retrouveront que neuf ans plus tard. Neuf ans… L’amour peut-il survivre sous les décombres du temps, de l’éloignement et de la guerre ? L’amour résiste-t-il au pire ?

Cette pièce exploite un texte méconnu de Sweig traduit en français en 2008 et dont on ne connut longtemps qu’un fragment avant de retrouver l’intégralité du texte avec un titre « Le voyage dans le passé », raturé. Il s’agit en effet d’un voyage, d’une réflexion sur l’idéal d’un amour impossible, un amour fantasmé, fantasmagorique, un amour si puissant qu’il s’affranchit du simple rapport charnel pour devenir immortel.

Trois personnages : la femme, l’amant et un violoniste qui accompagne l’univers poétique de l’auteur avec une musique en live créant de véritables ambiances sonores. La scénographie, minimaliste, nous transporte dans les limbes avec des voiles suspendues que les comédiens manipulent pour créer différents espaces : salon, couloir, parc, chambre d’hôtel. Des voiles qui permettent un jeu d’ombres, des ombres vibrantes, vibrant de cet amour qui ne peut se concrétiser.

Une toute nouvelle création pour ce festival 2026, un rendez-vous tout en clair-obscur et en poésie qui célèbre l’amour !

Maria PARIZAT

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PANARIS

A 13h40 au Théâtre des Carmes, André Benedetto

Durée : 1h25

PANARIS, de Lotus Guibot et Maud Sauvage.

Ecriture et mise en scène de Lotus Guibot et Maud Sauvage, aide à la mise en scène Maxime Pambet,

scénographie de Amélie Jegou, interprété par Lotus Guibot, Maud sauvage, Simon Quintana et Gwenael

Mettay, spectacle de la compagnie GR21.

Suis-je libre de devenir qui je veux dans ce monde ? Peut-on échapper au déterminisme social ?

Ce sont ces questions que Panaris aborde avec humour en s’emparant de La distinction de Pierre Bourdieu,

dans une pièce engagée mêlant arts vivants et sciences sociales et en plaçant les spectateurs face à leurs

propres déterminismes.

Panaris, ce sont deux histoires qui s’entrecroisent : celle d’un saumon, Edmond, né dans la rivière de l’ Allier

et qui rêve de devenir artiste, et celle de quatre ami.es qui interrogent leurs rapports de classe et leur

possibilité d’être ami.es malgré ce qui les sépare. Reproduction animale et reproduction sociale se

rencontrent.

Avant d’entrer dans la salle, les spectateurs sont invités à flasher un QR code pour répondre à quatre

questions sur leurs goûts. Ce petit questionnaire ouvre la porte à nos univers, pour nous inviter à regarder

avec douceur et audace à travers le prisme de nos goûts, de nos habitudes et de nos héritages.

Dans un monde libéral où le mérite et la réussite individuelle sont érigés en valeurs suprêmes, est-ce que

vraiment, quand on veut, on peut, ou bien quand on peut, on veut ?

Avec cette pièce, les comédiens nous interrogent sur le sentiment de légitimité, celui qui nous colle à la peau

ou pas ! parce qu’on vient d’où on vient. Ils nous parlent de mépris de classe, de « beauf », des inégalités

grandissantes, du militantisme, de la prétendue « méritocratie » qui plane sur nos têtes, mais tout cela sans

être théorique et dans le rire, en lien constant avec le public.

Les personnages sont désopilants, hilarants, la pièce est très bien construite et dynamique.

Allez-y ! Vous ne le regretterez pas !

Maria PARIZAT

DIATRIBE D’AMOUR CONTRE UN HOMME ASSIS, de Gabriel Garcia Marquez

Prix Nobel de littérature

Au théâtre La Scierie à 18h05, les jours impairs

DIATRIBE D’AMOUR CONTRE UN HOMME ASSIS, d’après l’unique œuvre de théâtre de Gabriel Garcia Marquez, mise en scène et dramaturgie de Leslie Bourgeois et Jean Ribault, interprétation de Catherine Alias.

Le soir de leurs trente-cinq ans de mariage, une femme décide que la célébration n’aura pas lieu. Face à son époux silencieux, puissant homme d’affaires et figure politique influente, elle déroule le fil de leur existence marquée par les renoncements, les humiliations et les trahisons.

Le mari en question est absent de la pièce, seulement figuré par un fauteuil anglais sur lequel on devine qu’il est assis, permettant ainsi aux spectateurs de centrer leur attention sur l’épouse meurtrie qui se rebelle.

Gabriel Garcia Marquez, écrivain colombien, est un romancier, journaliste et militant politique. Il reçoit le prix Nobel de littérature en 1982. Ses romans Cent ans de solitude (1967), Chronique d’une mort annoncée (1981), L’amour au temps du choléra (1985) ont été traduits et publiés dans le monde entier.

Il s’agit ici de son unique pièce de théâtre où la parole féminine est mise à l’honneur dans un long monologue qui interroge à la fois l’intime et le politique, où derrière la rupture conjugale dont fait l’objet la pièce, se dessine une réflexion plus vaste sur le pouvoir, la domination et les illusions sociales.

La pièce s’articule sur des allers-retours dans le temps, retraçant la vie de cette femme à travers les frasques, les tromperies et le cynisme de son époux. Elle brise ici 35 ans de solitude amoureuse dans une prise de conscience qui n’est autre qu’une quête d’émancipation. Amour et liberté se répondent, la voix d’une libération.

L’interprétation de Catherine Alias est magistrale et intense faisant écho à la force du texte. C’est la voix d’une femme qui brise le silence…

Et cela fait force dans notre actualité.

Un rendez-vous à ne pas manquer pour qui a soif de liberté et d’émancipation !

Maria PARIZAT

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PARLER POINTU

Un vrai moment jubilatoire

A18h10 au Théâtre des Carmes, André Benedetto. « Parler pointu » d’Hélène François et Benjamin Tholossan. Mise en scène Hélène François, interprétée par Benjamin Tholossan et Brice Ormain en alternance avec Guillaume Léglise. Relâche les 8, 15, 22 juillet. durée du spectacle 1h30

Pourquoi ne pourrait-on pas jouer Molière à la Comédie Française avec l’accent d’Avignon ? C’est une question que se posait déjà André Benedetto qui était très sensible à la défense des langues régionales et, plus particulièrement, celle de Frédéric Mistral.

Pas étonnant donc que cette question revienne dans son théâtre sous la plume d’Hélène François et de François Tholossan. Ce dernier vient d’un village du midi. Toute sa famille parle « avé l’accent », sauf lui. Car pour devenir acteur, on l’a obligé à le perdre.

Par la force des choses, il parle maintenant « pointu » à savoir avec l’accent parisien, dit « neutre », celui des médias, des politiques à quelques rares exceptions près, et de la culture en général.

« Parler pointu » raconte ainsi très intelligemment avec entrain et un humour régionaliste très couleur locale, ce déclin des parlers régionaux et ce que cette perte revêt d’intimité.

Dans cette épopée désopilante, l’excellent Benjamin Tholossan nous offre un grand moment jubilatoire en incarnant les figures hautes en couleur de sa famille, ainsi que les personnages historiques qui ont fait du français la langue officielle de notre pays.

C’est drôle, flamboyant et hautement politique.

André BAUDIN

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ET VIVRE ÉTAIT SUBLIME

Le goût par le livre de la liberté

à 20h30 au Théâtre Artéphile, « Et vivre était sublime », d’après « Belle du Seigneur » d’Albert Cohen dans une mise en scène de Sébastien Lanz, chorégraphie Silvia Cimino, interprétation Justine Boulard, Juliette Journiaux et Hélène Vautrin. Relâche les 5, 12 et 19 juillet. Durée du spectacle 1h30.

Gentiane Aimery de Pâmefoudre, brillante étudiante en Hypokhâgne, aînée d’une fratrie de six enfants habitués aux grands espaces des belles demeures et aux béatitudes de la messe du dimanche, va fêter ses 19 printemps en prison, après la dissolution de son groupuscule par la police antiterroriste à la suite d’un projet d’action de hacking contre ForPeople, la banque d’affaires qui appartient au président de l’Union européenne.

Au cours d’une échauffourée avec Nono, sa codétenue, Laura, la gardienne,s’interpose et laisse échapper dans la bataille l’unique exemplaire appartenant à Gentiane de l’ouvrage d’Albert Cohen, « Belle du seigneur ».

La jeune terroriste mise en isolement, Nono, restée seule en cellule avec ce livre, entame alors une lecture fondatrice d’une liberté nouvelle. Fascinée par le vocabulaire multicolore et chatoyant des personnages du roman, et intriguée par cette curieuse quête d’absolu d’amour, Nono, la prostituée violente, se sent alors étrangement différente.

Le théâtre n’est-ce pas ce moment où l’on croit qu’on est dans la réalité alors qu’on est dupe de ses rêves, voire qu’on se dupe volontairement ?

C’est exactement le mécanisme des personnages de Cohen.

La prison alors s’envole : le tulle qui jusque là enfermait nos deux prisonnières et leur gardienne, se relève lorsqu’elles se livrent l’une à l’autre, sublimant leurs terribles réalités par les mots posés par Cohen dans un style incomparable sur les sentiments amoureux. C’est bien écrit, bien mis en scène, c’est un moment de grâce.

André BAUDIN

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LA CONFITURE DE COINGS

A 16h05 au théâtre LUNA (Pierre de Lune)

LA CONFITURE DE COINGS, écrit et mis en scène par Margaux LEBRUN, interprété par Clara Navarro et Hugo SAMPERIZ.

Êtes-vous prêt à retourner le sablier ? Seriez-vous tenté de revivre une histoire d’amour à l’envers ? De remonter le fil du temps de l’histoire d’un couple, Jules et Romane, de leurs 90 ans à leurs 10 ans ?

C’est l’idée de cette pièce pleine de tendresse et de souvenirs qui nous fait partager la vie, les passions, les doutes et l’amour d’un couple singulier.

La pièce nous propose une succession de tableaux avec une cinquantaine de cartons, une table, deux chaises et… un pot de confiture. Les comédiens prennent possession du décor pour créer différents moments de leur vie, offrant une liberté infinie de création.

Ce spectacle célèbre l’amour sous toutes ses formes avec ses émois, ses passions, ses coups de folie, ses désillusions, ses peines, ses routines et ses espoirs et met en avant de façon poétique le moment du petit goûter partagé qui devient une sorte de fil conducteur tout au long de la pièce.

Un moment de douceur où chaque spectateur peut se reconnaître à travers le prisme d’une relation amoureuse.

Une création originale, poétique et drôle qui questionne l’amour et le temps.

Un joli moment que vous propose cette année la compagnie 22h22.

Maria PARIZAT

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HAMLET, # LA FIN D’UNE ENFANCE

A 13h25, Conditions des Soies, salle carrée - Durée : 1h15

HAMLET, # LA FIN D’UNE ENFANCE, d’après William Shakespeare, adaptation de Christophe Luthringer et Ned Grujic, mise en scène de Christophe Luthringer, interprété par Victor Duez.

« Hamlet, # la fin d’une enfance » est une adaptation contemporaine et immersive de Shakespeare, centrée sur le deuil et la résilience d’un jeune homme de 19 ans.

La pièce présente Hamm, un jeune homme de 19 ans qui vient de perdre son père. Sa mère a rapidement refait sa vie, ce qui provoque chez lui un profond sentiment d’injustice et de colère. Refusant de sortir de sa chambre, Hamm transforme cet espace en théâtre, mêlant réalité et fiction pour exprimer ses émotions et affronter son deuil. Nous voilà plongés dans son univers qui devient un royaume, celui d’Hamlet et où il met en scène les personnages de la tragédie, tout en utilisant ses jouets, marionnettes, figurines et objets du quotidien pour incarner ces personnages et où il intègre des musiques allant de Pink Floyd à Mozart.

Poésie, force et émotion se dégagent de cette pièce qui mêle rire et bouleversement et où la beauté du langage est mise en avant dans la foisonnante langue de Shakespeare, capable de nommer chaque émotion, chaque souffle. Le théâtre devient ici un moyen d’expression, un processus d’identification, de compréhension et de résilience.

La pièce est une véritable performance musicale et théâtrale et le comédien Victor Duez incarne tous les personnages avec une énergie et une intensité poignante.

Elle nous rappelle que nous jouons tous un rôle et que le monde est un théâtre dont nous sommes tous les acteurs. Elle nous rappelle que le théâtre est un lieu de transmission d’histoires, un lieu privilégié de l’écoute, du mouvement et de la métamorphose dont la langue peut nous permettre d’exprimer nos émotions les plus intimes. Le personnage s’exprime, souffre, se révolte, lutte contre ses propres contradictions et ses tensions intérieures qui marquent la fin de l’enfance et le passage à l’âge adulte. Le final nous cloue sur place.

Une performance bouleversante, riche et inventive à voir absolument ! Un véritable coup de cœur !

Maria PARIZAT

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AIDER A LA FOLIE

du 4 au 25 juillet relâche les 6, 13, 20 juillet

12h40 1h

THÉÂTRE LA MAISON RACINE

9 rue Racine

De Caroline REMISE, Benjamin BACHELARD, Brice LANDWERLIN - équipe artistique : François ROLLIN - Mise en scène : Brice LANDWERLIN – Interprétation : Patrice Montico – Production : Benjamin BACHELARD – Texte : Brice LANDWERLIN et Caroline REMISE .

  Quel est le rôle de l’aidant ? Qui sont-ils ?
Dans le cadre d‘une conférence, un psychologue enthousiaste, cherche à répondre à ces questions, accompagné d'aidants venus partager leurs expériences.
Autour de lui défilent un député plein de bonnes intentions mais vide de solutions, un directeur de casting prêt à transformer la souffrance en jeu télévisé, un psychiatre bavard et un homme devenu aidant du jour au lendemain.
À travers une galerie de personnages tour à tour drôles, cyniques, bouleversants ou grotesques, «AIDER À LA FOLIE» interroge : Peut-on aider sans s’oublier ? Peut-on aimer sans s’épuiser ? Et surtout : Qui aide les aidants ?

Un homme, seul sur la mini scène d’une mini salle, se multiplie avec talent pour jouer tous les protagonistes que nous venons d’évoquer. Défilent alors, à travers le même acteur le député d’abord, blablateur de métier dont le fond de commerce semble être : « si vous n’avez besoin de rien, venez me voir ». Le « conférencier » a beau lui crier : « Aider les aidants, c’est aider les aidés ! », ça glisse… Puis voilà le toubib, celui qui annonce la catastrophe : avec un vocabulaire pseudo-savant, ou bien rentre-dedans : « Votre femme a une tumeur cérébrale ». Démerde-toi à lui dire ça...

Je suis passé par là, avec un neurologue aussi psychologue qu’un CRS en manif de gilets jaunes. Nous venions pour faire le test Alzheimer pour ma chérie. Un véritable interrogatoire flic imposé à ma pauvre chérie par ce personnage ignoble : maigre, gueule en croc de boucher, petites lunettes rondes cerclées de fer, voix saccadée perchée dans les hauts. Je l’ai tout de suite appelé « le docteur Menguélé ». Et il nous a asséné, fier de son savoir : « Le test est positif, c’est un Alzheimer déjà bien avancé. Vous allez faire un scanner de la tête pour voir s’il y a ou non une tumeur au cerveau, puis venez me voir dans un mois, on décidera. Vous me devez tant... ». Ma chérie – une femme superbe ancien mannequin – était entrée un peu angoissée, mais sans plus, il m’a fallu la tenir pour sortir. On n’a plus vu Menguélé, mais cette séance désastreuse a marqué le début du plongeon vers l’horreur…

Puis l’acteur campe divers « aidants ». Le pire, « le gros con » comme il l’appelle, c’est celui qui se plaint sur son propre sort. Il y en a trop mais ce ne sont pas la majorité. Lorsque un tel désastre – un être aimé devenant incapable de pourvoir à ses besoins essentiels – le mari, le compagnon, la femme, la fille, la mère, bref, le proche se trouve face à lui-même. Il faut prendre une décision qui engage nuit et jour, vingt-quatre heures sur vingt-quatre et qu’il faudra assumer.

Moi ça a été suite à une fuite aussi colorée qu’odorante sur le beau canapé en cuir blanc. Je suis allé avec ma chérie vers la salle de bain. Suivez la ligne jaune comme disait Coluche...Je l’ai lavée et je l’ai un peu morigénée: "Merde - c’était le cas de le dire – tu aurais pu avertir"… Elle s’est alors accroché à mon cou, les yeux pleins de larmes et m’a dit, avec une voix de petite fille en faute :  « j’ai pas fait exprès... ». Puteng ! Le coup de barre sur ma tronche de gros con que j’étais. Bien sûr qu’elle n’a pas fait exprès, c’est elle qui est malheureuse, humiliée. Alors je me suis regardé dans la glace et j’ai dit au type que j’y voyais : Eh mon salaud, ces endroits qui t’ont donné tant de bonheur, ils ont aussi une fonction physiologique. Alors choisi : tu fais ou tu fais pas ! Et j’ai choisi de faire, je suis alors devenu Aidant à part entière.

L’acteur, a travers les divers personnages qu’il campe balance quelques belles vérités. Il y a plus de dix millions d’aidants bénévoles en France et avec le vieillissement de la population, ce nombre va augmenter. Combien font économiser à l’État ces aidants ? L’acteur conférencier estime le travail gratuit fourni par un aidant à 3000 euros par mois. Faites le calcul. Ce sont des milliards. Il soulève alors le problème du statut des aidants. Rien, nada, que dalle. Ni en dédommagement, ni bien sûr en trimestres retraite.

« AIDER À LA FOLIE » mêle humour absurde, témoignage intime et regard politique. Le spectacle ne cherche pas à apporter des réponses mais à rendre visible.
Car nous sommes tous un jour aidant ou aidés.
Un spectacle nécessaire, drôle et profondément humain.

Allez-y vite, vous ne le regretterez pas.

Jean Victor JOUBERT- Auteur de "Alzheimer, même pas peur "

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RIP

Un fantasme délirant sur le sens de la mort

à 18h50 à l’Artéphile (relâche les 5, 12 et 19 juillet),« RIP » texte de Mathilde Bourbin (Collectif Attention Fragile) mis en scène par Nathalie Bernas et Mathilde Bourbin avec comme interprètes Nathalie Bernas, Brice Borg ou Aurélien Gouas, Mathilde Bourbin, Jarmou, David B. Maison, Alice Mesnil, Pierre-Emmanuel Parlato. Durée du spectacle 1h10.

Très librement adaptée de « La Mort d’Ivan Illitch » de Léon Tolstoï, cette comédie chorale festive et irrévérencieuse sur notre rapport à la mort – et donc à la vie - nous a réconcilié avec le théâtre tel qu’on l’aime.

C’est un coup de cœur.

Le Collectif Attention Fragile aborde la question de la relation à notre condition mortelle. Á savoir nos illusions de puissance, sans oublier la spiritualité et le rituel d’une bourgeoisie décadente qui annonce déjà de grands changements…

Et cela avec beaucoup d’humour et ce détachement qui sied si bien aux saltimbanques quand ils veulent, sur les planches, rendre ces questions immortelles.

Ce tourbillon délirant sur une société conservatrice décadente est une véritable prouesse. Porté par une mise en scène remarquable qui fourmille d’inventions, c’est brillant, lumineux, divertissant et tout simplement génial !

Chapeau donc les artistes, et remercions le grand Léon de vous avoir si bien inspirés !

André BAUDIN

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Silence ?

5, 6, 7, 8 juillet

Carrière de Boulbon 

13150 BOULBON

Pour se rendre à la Carrière de Boulbon, 3 possibilités :
> En Navette du Festival (9€ aller-retour) départ à 20h depuis Avignon-Poste / cours du Président Kennedy
> En voiture, seul parking autorisé sur la D35 (voiture : 10€ / moto : 5€ )
> En vélo, parking gratuit
Pour des raisons de sécurité, le stationnement en bord de route est strictement interdit.
Achat auprès de la billetterie, dans la limite des places disponibles.

Ouverture du site à 20h. Dernier accès 21h30.

Navette aller-retour (9€) - Départ d'Avignon-Poste, cours du Président Kennedy, départ à 20h.
À réserver auprès de la billetterie

Avec Lucie Antunes, Canblaster, Hans Peter Diop, Lucía García Pullés, Martín Gil, Thiago Granato, Vega Voga, Carolina Passos Sousa, Sophia Seiss, Judit Waeterschoot.  

Sur une piste de danse semblable à la surface d’un disque vinyle, Lucie Antunes et Mathilde Monnier proposent une expérience sensorielle et percussive autour de la notion de silence et des états de conscience modifiés.

Si je mets ce point d’interrogation, symbole de cette 80ème édition, et cher à Tiago Rodrigues et son équipe, c’est parce que, bien qu’ayant lu et relu en tous sens la « bible » distribuée aux spectateurs hier soir à la Carrière de Boulbon, je m’interroge encore sur la signification du titre « Silence » donné à leur spectacle par Lucie Antunes et Mathilde Monnier.

Non pas que ce questionnement m’ait poursuivi durant toute la soirée (débutée avec près d’une heure de retard sur l’horaire annoncé), encore moins que je m’y soit ennuyé : tout au contraire, j’y ai pris un réel plaisir, comme à la totalité des spectateurs. Dont les membres du groupe du Papotin, placés devant nous, et sur lequel je reviendrai.

Un plateau évoquant un disque vinyle, mais fixe, avec le public placé en tri-frontal, et les instruments de musique et d’effets sonores disposés au centre, sous la bienveillance des étoiles et des cigales chères à ce lieu, et le décor est planté.

Il ne va pas tarder à s’animer, avec les énergies décuplées de Lucie Antunes à la batterie, et les sept danseurs-musiciens-chanteurs de la troupe de Mathilde Monnier. En fait de silence, c’est à un énorme concert de musique électro-acoustique que nous allons assister, servi par les effets de déformation des sons opérés par Canblaster. Concert avec des temps de folle énergie, d’autres plus ralentis, et même une fugace évocation d’une boîte de nuit aux couleurs fluos.

Les danseurs, dans des mouvements du corps chers au travail de notre chorégraphe bien connue, sont passés de la naissance jusqu’à la mort évoquée, avec des aveuglements, un pas de deux, des courses folles autour du plateau, dans un tournis quasi incessant, interrompu seulement par quelques séquences où tous étaient rassemblés en son centre névralgique..

Nous avons vécu une soirée de charme et de transe (j’emprunte ces mots à une amie chère), en habitués que nous sommes devenus de ces musiques électroniques, dont la fabrication nécessite un talent reconnu, et avec le tempo donné par Lucie à la batterie. Malgré le niveau élevé du son – sans, pour moi, les bouchons d’oreille fournis par le Festival – j’ai noté que tout le monde est resté jusqu’aux saluts de fin, sous les applaudissements nourris, et terminés par un appel de Mathilde à se lever pour protester contre les coupures de financements qui mettent en danger les structures du spectacle vivant.

  Ce matin , au Cloitre St-Louis, nous avons retrouvé les « journalistes » du Papotin, qui ont interrogé, avec leurs questions autant surprenantes que d’habitude, Lucie & Mathilde, maintenant indissociablement unies pour cette aventure, née tout simplement d’une rencontre entre elles il y a deux ans, au point de former quasiment un groupe sur ce spectacle, tant les talents des danseurs et des musiciens se sont interpénétrés. Et là, j’ai mieux compris, au gré des questions et des réponses, ce que signifiait le terme des « états de conscience modifiés » employé dans les propos de la bible du spectateur. Beaucoup de questions posées à Lucie, sur sa technique de batterie (comment fait-elle pour tenir une heure et demi avec cette dépense d’énergie ?), sur le fait qu’elle s’est sentie reconnue, venant d’un tout autre horizon, par Mathilde, et sur la transe collective qui tient ensemble, fusionnellement, danseurs et musiciens.

  Un grand merci à Tiago Rodrigues pour cette double invitation, le spectacle et l’équipe du Papotin.

Pierre PLATON

 Vus le 6 juillet à la Carrière, pour le spectacle, 

et le 7 à St-Louis, pour le débat

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ATTENDS-MOI J’ARRIVE !

Mais soyez à l’heure !

à 20 h au Théâtre du Chêne Noir les 6, 13 et 20 juillet, «Attends-moi j’arrive », un seul de scène d’Emma Bojan,  écrit en collaboration avec Étienne Lautrette et mis en scène par Thibault Segouin

Autrice et interprète, Emma Bojan que vous avez peut-être déjà découverte sur France Inter, investit la salle Léo Ferré du Théâtre du Chêne Noir pour un petit événement qui fait salle pleine.

Sur scène, elle vous explique avec beaucoup d’humour pourquoi, elle est toujours en retard, vu qu’à ses yeux, aimer, pleurer et s’exprimer, ça prend du temps !

Alors elle fait avec et vous ne regretterez pas cette confession ancrée dans le réel, à la fois drôle et touchante, entremêlant l’amour du quotidien, les émotions à fleur de peau et des paroles sans filtre…

Ne soyez donc pas en retard au Chêne Noir qui s’impose à nouveau comme un lieu incontournable pour les amateurs de théâtre contemporain et de créations originales, pour découvrir ce bon moment de théâtre.

Car Emma qui joue avec un grande sincérité, ne vous attendra pas !

André BAUDIN

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ANTIGONE, de Jean Anouilh

au Chêne Noir 

du 4 au 25 juillet à 18h.

Antigone à plusieurs voix : la sienne

Vous connaissez certainement Antigone, cette héroïne têtue qui désobéit aux ordres de Créon, son oncle, roi de Thèbes, pour s’en aller donner une sépulture à son frère : elle se sait condamnée à mort, et elle affronte sciemment son sort !

Un sacré pari tenté par Andréa Bescond, qui a mis en scène cette pièce de Jean Anouilh, au Chêne Noir, salle John Coltrane, à 18 h.

Car c’est par la voix, le corps, la gestuelle, de son unique interprète, la comédienne et danseuse Deborah Moreau, que tout se joue. Elle est Antigone, bien sûr, mais également sa nourrice, sa sœur Ismène, son fiancé, Hémon, le roi Créon, et les deux gardes qui veillaient le corps de son frère, Polynice, exposé aux corbeaux et défendu de sépulture.

Prodigieuse interprétation, musclée, vivace, avec tout ce que la pièce recèle de colère, d’humour, de tendresse aussi. Notre comédienne est seule en scène, où n’est présent qu’un long tabouret noir, avec pour seuls effets quelques jeux d’éclairages. Seule présence, hors plateau, une voix off, dont l’accent inutilement gouailleur m’a déplu, seul bémol de ce spectacle.

Bien sûr, Antigone sera condamnée à mort (elle se suicidera, nous dit Sophocle, pour échapper à son enterrement vivante), Créon finira par abdiquer, et il ne restera plus de la lignée que la fidèle Ismène.

Antigone dit non au pouvoir royal, à tout pouvoir, mais elle dit oui à l’amour pour son frère, et surtout elle affirme haut et fort sa condition féminine : pas étonnant, quand on connait le combat d’Andréa Bescond pour cette cause, elle qui était le jour-même en tête de la manifestation contre les violences sexistes subies par les femmes, devant le Palais de Justice d’Avignon.

Rien d’étonnant non plus que la pièce se conclue par le cri « Femmes, Vie, Liberté », celui des femmes iraniennes contre la dictature masculine des mollahs !

Applaudissements nourris, public debout : ça le méritait totalement.

Vu le 5 juillet 2026 au Chêne Noir

Pierre PLATON

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LE CIRCUIT ORDINAIRE de Jean-Claude Carrière

A 13h35, au théâtre du GIRASOLE

Durée : 1h15

LE CIRCUIT ORDINAIRE, de Jean-Claude Carrière, mis en scène par Alexandre Tchobanoff, production du Théâtre De Demain, avec le soutien de Adami Déclencheur, 

interprété par Yann Collette, Stéphane Bierry et Prisca Lona.

Le décor est planté : un bar, deux hommes et une énigmatique serveuse. Un commissaire de police a convoqué un « indic », un dénonciateur. Débute alors un interrogatoire qui vire rapidement à la confrontation et de la confrontation à l’affrontement et où le mieux renseigné se trouve dépassé et pris au piège par son interlocuteur.

La pièce, créée en 2002 dans un contexte politique conflictuel, traite de la manipulation et de la délation ordinaire en tant qu’acte pervers et jouissif et se veut un écho à notre actualité non moins anxiogène où les valeurs de notre démocratie ont plus que jamais besoin d’être revendiquées et défendues.

A travers cette triade de comédiens, se déroulent sous nos yeux les rouages de la manipulation et la façon sournoise dont la peur peut changer de camp, comment la suspicion et le doute s’insinuent de façon pernicieuse et renverse les situations.

Il y a « l’ordinaire » du lieu, un bar, lieu de rendez-vous classique dans les films d’espionnage, lieu public, anonyme, où circulent des individus, des regards, des informations. Il y a le « regard ordinaire » avec le personnage ambigu de la serveuse, muette, mais au regard extérieur dont on ne saurait saisir la pensée.

La pièce est ponctuée de silences qui se veulent lourds de sens et laissent au public cet espace de réflexion et d’interrogation nécessaires, nécessaires à une prise de conscience.

J’ajouterai qu’il y a aussi dans ces silences le poids des « silences ordinaires », le fait de regarder sans agir et de se soumettre. La manipulation comme la délation sont un grand chapitre de notre Humanité et cette pièce nous invite à y réfléchir sans donner une temporalité historique précise mais comme un fait qui a traversé notre temps.

La pièce fonctionne comme un thriller qui nous tient de bout en bout. Le jeu des acteurs est excellent, l’intrigue remarquable par son intelligence et sa subtilité.

Un rendez-vous à ne pas manquer !

Maria PARIZAT

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Apollinaire, Éclats d’amour : le poète face à ses fantômes

THÉÂTRE DES CORPS SAINTS
Salle : Salle 1

du 4 au 25 juillet relâche les 9, 16, 23 juillet à 14h40 – durée 1h15

Asile de fraicheur dans l’habituelle canicule de l’Avignon du Festival, le Théâtre des Corps-Saints a présenté, en avant-première, une CRÉATION originale imaginée par le metteur en scène Stéphane Titeca : « Apollinaire, Éclats d’amour : le poète face à ses fantômes ».

La pièce plonge le spectateur dans les derniers instants de Guillaume Apollinaire, blessé à la tête - non pas d'amour mais par une dure ferraille tueuse - sur le front de Champagne en 1916. En attendant les secours, il se remémore ses amours : Lou, Marie, Madeleine, mais aussi le Bateau lavoir, Braque, Picasso, Max Jacob, et sa mère dont l’amour lui a si cruellement fait défaut. Dans la fièvre de l’homme blessé, les deux visages de Lou et Madeleine se confondent. Parlant à l’une et pensant à l’autre, il ne peut choisir entre corps et âme, entre passion et paix. Guillaume va traverser ses blessures physiques et amoureuses dans un espace unique où guerre et mémoire, chair, poésie, délire se mêlent. Irruption poétique au cœur de la grande guerre, cette pièce est aussi un hymne à la vie. Le spectacle explore ainsi un moment suspendu où la frontière entre réalité et hallucination s’estompe, mêlant poésie, mémoire et vertige.

Loin d’un simple assemblage de textes du célèbre poète, cette création s’appuie sur une véritable dramaturgie et offre une lecture intime et sensible de cette figure majeure de la littérature qu’est Apollinaire. Porté par l’interprétation habitée de Pierre Jouvencel, le spectacle est présenté en avant-première au Festival Off d’Avignon 2026, au Théâtre des Corps Saints, à 14h40 pendant toute la durée du Festival, avant une tournée nationale à l’automne.

Le spectacle joue sur les contrastes entre lumière et ombre, entre le réel et l’onirique, pour immerger le public dans l’univers tourmenté du poète. L’utilisation de la scénographie et des effets sonores renforce cette impression de vertige et de suspension du temps.

"Apollinaire, Éclats d’amour" est une réussite artistique qui allie profondeur textuelle, interprétation puissante et mise en scène inventive. Elle s’adresse autant aux amateurs de théâtre qu’aux passionnés de littérature, offrant une expérience immersive et émouvante sur les derniers instants d’un géant de la poésie.

Ça commence bien: cette pièce sera sans aucun doute une des découvertes de cette édition 2026.

Jean Victor JOUBERT